Sinopse: O pai de Ana falece e lhe faz um pedido inusitado no testamento. Ela deve ir até a Faixa de Gaza conhecer a filha que teve na adolescência.

O cineasta Amos Gitai é nascido em Israel e em seu mais novo trabalho, o filme Aproximação (Disengagement), a história a ser contada se passa na desocupação da Faixa de Gaza. Para almejar certa imparcialidade, ele faz uma opção inteligente na dinâmica das câmeras. A todo o momento o que se vê são planos bem abertos e sem grandes movimentações, fugindo da câmera documental tão em voga no cinema contemporâneo. Se optasse por cortes e closes, haveria espaço para especular quais detalhes o diretor quer ressaltar e orientar o olhar do espectador.

Com isso, o filme acaba assumindo algumas características teatrais, para o bem ou para o mal. A atuação de Juliette Binoche (Paris), por exemplo, pode irritar quem não curte peças de teatro, mas pode ser bem recebida pelos fãs do tablado. Já o que foge da questão de gosto pessoal é a figura do rabino. Ele atravanca o desenvolvimento do enredo de tal forma, que algumas pessoas vão torcer para que haja uma cena de violência policial.

Outra tática nessa estratégia da neutralidade é a falta de trilha musical. Há cenas interessantes com uma cantora de ópera, mas a trilha clássica que toca ao coração é deixada de lado para não ficar apontando os momentos em que mais emoção deve ser investida.

O efeito colateral de tal escolha é deixar filme muito frio. Tanto que, na cena final, quando finalmente se tem a trilha a todo vapor, fica praticamente impossível resgatar a emotividade.

Parece que Robert Pattinson escolhe apenas dois tipos de personagens para interpretar. Quando não está envolvido com o fantástico e sobrenatural (Crepúsculo), ele é um rebelde jovem de classe abastada. Seu trabalho em Lembranças (Remember Me) encaixa-se na segunda opção.

Assim como em Uma Vida sem Regras, a mesma questão é latente e não-discutida: é muito fácil rebelar-se e ficar em crise existencial quando se tem certeza que no final do dia o papai vai aparecer para pagar a fiança. Queria ver o rapaz se preocupado com dívidas, ônibus lotado e tudo mais!

No entanto, Lembranças tem um argumento em favor do comportamento do protagonista: toda sua crise foi iniciada pelo suicídio do irmão mais velho, um motivo mais adequado do que a rebeldia sem causa do filme anterior.

O roteiro demora para engrenar e, com isso, o filme só fica verdadeiramente interessante nos últimos 20 minutos. Mesmo assim, o desfecho é repetitivo e enfadonho.

Outro fator que pode irritar o público é o uso excessivo de trilha musical. É como se a direção e as atuações não dessem conta sozinhos de transmitir a emoção e é preciso apelar para a música… a todo tempo!

Tal aglomeração de estudos e práticas fica evidente no novo filme de Scorsese, Ilha do Medo.

Em 1954, os agentes federais Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) e Chuck Aule (Mark Ruffalo) investigam o desaparecimento de uma interna do Hospital Psiquiátrico Ashecliffe, localizado no ilha Shutter. Chegando no local, eles encontram uma rebelião de presos, devido a um furacão que se aproxima da ilha, o que impossibilita-os de sair de lá.

Usando de referências de filmes de suspense/terror, como O Bebê de Rosemary (Roman Polanski), O Iluminado (Stanley Kubrick), O Sexto Sentido (M Night Shyamalan) e coincidentemente com a dolorosa carga de terror psicológico de Anticristo (Lars von Trier), Scorsese mostra que é capaz de realizar grandes obras em quaisquer gênero que se engaje. A trilha, os enquadramentos, o tratamento dado à fotografia e os diálogos do roteiro são todos muito bem utilizados para criar a atmosfera de um clássico filme do estilo.

Como o personagem de Leonardo DiCaprio tem muitos pesadelos, o diretor aproveita a oportunidade para entregar ao espectador cenas lúdicas com a dose certa de surrealismo e efeitos visuais.

São poucas as pistas soltas sobre o mistério que envolve a ilha Shutter e seu habitantes, o que fará muita gente ficar impaciente por uma resolução dos fatos, já que por boa parte da projeção o roteiro parece não querer que o espectador entenda muita coisa do que está vendo. Mas uma cena crucial elucida o caso, bem ao modo hitchcockiano de encerrar filmes, com cada detalhe (excessivamente) explicado.

Como uma andorinha só não faz verão no cinema, o diretor contou com uma equipe técnica de primeira e com um elenco sensacional, com nomes como Mark Ruffalo, Emily Mortimer, Ben Kingsley, Jackie Earle Haley, Max von Sidow, Michelle Williams e Patricia Clarkson, além da boa atuação de DiCaprio.

Ilha do Medo foi muito bem recebido pelo público norteamericano (já ultrapassou a marca dos US$ 100 milhões de dólares arrecadados), apesar de ter estreado no último Festival de Berlim com certo desdém da crítica – fato não incomum para filmes do gênero.

Se o longa entrará para o hall dos clássicos de terror, só o tempo dirá. Mas uma coisa é certa: Scorsese é um mestre e soube bem aproveitar suas referências, os mestres, com carinho.



Para começar, a trilogia que tornou Guillermo Ariaga famoso foi dirigida pelo ótimo Alejandro González Iñárritu. Mas, após ver Vidas que se Cruzam, ficou a impressão de que Ariaga poderia dirigir perfeitamente os filmes que escreveu. Ele consegue, inclusive, dar mais ritmo à trama do que Iñarritu. Mas não estou aqui para julgá-los, e sim para falar do filme. Que é ótimo, melancólico, surpreendente, bem ao estilo do Ariaga.

Não vou entregar a história porque o bom é ver o filme e descobrir os segredos dos personagens – e assim admirar o roteiro. O que você pode saber é que a trama analisa o vínculo misterioso que une Mariana (Jennifer Lawrence), uma jovem de 16 anos que procura recompor o casamento de seus pais em uma cidade junto à fronteira do México, Sylvia (a bela Charlize Theron- foto), uma mulher de Portland que transa com desconhecidos, Gina (Kim Basinger, com rugas mas ainda em forma), a mãe de Mariana, que tem um amor clandestino, e Maria (Tessa La), cujo pai sofre um acidente de avião.

Como as vidas dessas mulheres vão se entrelaçar é a grande sacada do roteiro, e aí a mão de Ariaga fica evidente: é o seu estilo, seu jeitinho particular de desconstruir o tempo e unir algo aparentemente sem o menor sentido. A direção acompanha o ritmo do longa, a montagem dá show – especialmente na já antológica sequência final – a trilha sonora pontua o filme com suavidade e melancolia, e o filme termina como tem que terminar, dando a tal sensação de que foi realizado com perfeição.

Vidas que se Cruzam inclui tudo que Guillermo Ariaga costuma colocar em seus roteiros, muitas histórias que se unem, acidentes, morte, superação, melancolia, redenção. Mas, dessa vez, ele é quem diz que imagens suas palavras devem ter.

Muita gente vai dizer que o cineasta é repetitivo, e nunca vai sair da fórmula que criou para contar suas tramas. Bobagem. Pedro Almodóvar e Sam Mendes mudaram o rumo de suas carreiras enquanto Quentin Tarantino continua o mesmo, ainda que fazendo filme de guerra.

É possível se reinventar ou ser sempre o mesmo com criatividade e estilo. Por enquanto, Ariaga está bom do jeito que é: denso, melancólico, indo e vindo com histórias que nos conquistam rapidamente. Vidas que se Cruzam é um dos melhores filmes do ano. E mais uma prova de que no roteiristas que viram diretores conseguem brilhar além das palavras que escrevem.

Parte da história é baseada na experiência real do próprio Bousdoukos, um alemão de origem grega que teve um restaurante no bairro de Ottensen, em Hamburgo, o Taverna Grega. Ele interpreta o protagonista Zinos Kazantsakis, que enfrenta uma série de problemas para administrar seu restaurante de bairro, o Soul Kitchen do título.

Zinos está passando por uma fase ruim: o restaurante pode ser fechado por problemas fiscais e de fiscalização sanitária, sua namorada vai se mudar para Xangai e seu irmão, um presidiário que passa algumas horas do dia fora da cadeia graças ao benefício prisão-albergue, só arruma confusão.

Para piorar, ao arrastar uma pesada máquina no restaurante, Zinos desloca um disco em sua coluna e passa a conviver com constantes dores. Mas ele não se intimida com nada. Com simpatia e bom humor, e embalado por músicas que inspiram o seu dia-a-dia, ele vai tentado resolver os problemas, um a um.

Com personagens bem construídos em um roteiro que não cai no lugar-comu, apoiado numa ótima trilha sonora e em um elenco excelente, Akin faz de Soul Kitchen uma das melhores produções do ano, daquelas que deixam os espectadores felizes por ter assistido algo tão simples mas muito legal.

Impossível não se envolver com a história e não se render ao charme de Soul Kitchen, um filme absolutamente fofo.

A história começa com um brutal assassinato executado por Dorian Gray, livrando-se do corpo num rio próximo, após encaixá-lo num baú. Sabe-se que ele agora herdara a fortuna do pai, o conhecido Sr. Kelso. Após este pequeno prólogo, o filme retorna um ano, mostrando o início de toda a intriga.

O filme conta a história fictícia de um jovem chamado Dorian Gray na Inglaterra aristocrática e hedonista do século XIX, que torna-se modelo para uma pintura do artista Basil Hallward (Ben Chaplin, confortável no papel). Dorian tornou-se uma fonte de inspiração para o pintotr, assim como para outras obras e, implicitamente no filme, uma paixão platônica por parte do pintor (dái tiramos toda a tensão homossexual latente no filme). Lord Henry Wotton (Colin Firth, bem), um aristocrata cínico e hedonista típico da época e grande amigo de Basil, conhece Dorian, seduzindo-o para sua visão de mundo, onde o único propósito que vale a pena ser perseguido é o da beleza e do prazer, numa espécie de ressurreição dos ideais helênicos. A chegada de Dorian Gray ao HellFire Club vai mostrar isso, numa câmera por vezes subjetiva, que passeia pelo submundo de Londres da Inglaterra do século XIX.

Dorian Gray é progressivamente corrompido pelo cínico Harry Wotton. Enfeitiçado diante do seu novo retrato, Dorian proclama um desejo fatídico: em troca da juventude eterna, dá a sua alma. Por décadas, Dorian tenta escapar impassível enquanto leva à morte as pessoas que o rodeiam. O seu retrato torna-se cada vez mais horrível com as marcas dos seus pecado, correndo-lhe nas veias, a loucura.

Esta obra tornou-se um símbolo da juventude intelectual e de suas críticas à cultura vitoriana, despertando grande polêmica em relação ao seu conteúdo homoerótico. Oscar Wilde, apontado como o pai do decadentismo na Inglaterra, foi preso por essa obra.
Há referências a Hamlet, em especial a personagem Ophelia. Uma das amantes de Dorian Gray vai encena a peça durante o filme. Além dos símbolos marcantes, como o espelho quebrado (azar) e o vermelho (paixão, ardência) que tintura a geleia, as fitas e as rosas que aparecem a esmo durante o filme, temos bastante referências literárias e históricas no filme, que apesar de perder o fôlego em determinado momento chave da trama, apresenta-se como um exercício acadêmico e cultural de muita força.

Com 100 minutos de duração, esta adaptação do clássico inglês não é de todo ruim, mas poderia ser mais sombria e menos lenta. O trabalho de edição e fotografia é digno de nota, assim como a trilha sonora. A direção ficou por conta de Oliver Parker.

A trama gira em torno da assistente social idealista (Zellweger) que luta para salvar uma adolescente das mãos de seus pais abusivos. No entanto, a mulher descobre mais tarde que a garota não é tão inocente quanto parece e a situação é mais perigosa do que ela jamais poderia imaginar. Lilith Sullivan, a tal menina misteriosa é o caso adicional que a assistente recebe em sua mesa, chamado Caso 39. Ao adensar nas investigações, Zelwegger descobre que os pais querem mandá-la para o inferno, segundo relato próprio da menina. Enfrentando a todos, a assistente acaba por desmascarar os pais da garota, conseguindo inclusive a custódia da menina. Tem-se ai, um novo começo para a pequena Lilith (a ótima Jodelle Ferland).

Caso 39 traz um excelente trabalho de som, além de sugar da fonte de outros filmes de terror bem realizados, como A Profecia e O Chamado: é um telefonema misterioso ou um cachorro ameaçador que aparece do nada. A presença de Renné Zelweger como protagonista ajudou bastante, dando maior credibilidade a uma trama que soube inclusive o seu momento de acabar, sem deixar espaço para continuações desnecessárias.

Assim como o suspense Cálculo Mortal, protagonizado por Sandra Bullock há alguns anos, Caso 39 faz uma mescla entre o conflito do presente, apresentando ilações com o passado. A atriz Renée Zellweger ficou interessada na refilmagem americana de ‘The Eye‘, mas o filme foi cancelado, e com isso, ela aceitou participar da produção tensa com 111 minutos de duração.

A pergunta lançada pelo trailer é instigante: o que você faria se lhe entregassem uma caixa com apenas um botão e, se você o apertasse, lhe deixaria milionário mas, ao mesmo tempo, tirasse a vida de alguém que você não conhece? Norma Lewis (Cameron Diaz, ótima) é uma professora e o seu marido, Arthur (James Marsden, confortável no papel), é um engenheiro da NASA. Eles e o filho formam uma família que leva uma vida normal morando no subúrbio. O filme começa em 1976, Virginia. As coisas ganham novo rumo quando um misterioso homem aparece com uma proposta tentadora. Norma e Arthur têm apenas 24 horas para fazer a escolha.

Um dos maiores problemas de A Caixa está no marketing: o trailer exibido nos fornece uma idéia de suspense rápido, gotejando sangue aqui e ali, alguns gritos e um final feliz. Negação total para os afoitos pela cinematografia rasa: A Caixa nos força a entrar nas idéias do existencialismo e suas temáticas, sendo a principal delas, a máxima de Sartre “o inferno são os outros”. O embrião da frase formou-se logo após o final da Segunda grande guerra mundial. O mundo estava chocado com toda a barbárie injustificada e das relações cotidianas. O termo hoje é muito utilizado em trabalhos relacionados ao medo na sociedade e também nas relações conflituosas contemporâneas. Para Sartre, cada ser humano tem o seu projeto pessoal e, se cada um possui o seu projeto individual, conflitos surgirão à tona. Ao apertar o botão da caixa, resolve-se um problema para si, portanto, trazemos danos à vida alheia. Nas palavras de uma das personagens, morremos numa caixa (caixão), moramos numa caixa a vida inteira (casa), andamos numa caixa (a rua, cidade, o país, enfim, as comunidades imaginadas).

O diretor optou por utilizar alguns momentos dosados de nonsense, estilo em que várias informações aparentemente sem sentido pululam nos diálogos e nas cenas. O filme é auto-explicativo em seu prólogo, informando tudo sobre os mistérios da narrativa, que será fechada de forma trágica.

A Caixa é baseado no conto Button, Button do escritor Richard Matheson, conhecido por obras ligadas ao campo da ficção e fantasia, com finais surpreendentes. Com direção de Richard Kelly, esta produção que custou U$30 milhões possui 115 minutos de duração. A Caixa lembra filmes como Invasores, Os Esquecidos, A Cidade dos Amaldiçoados. O roteiro traz menos informações tecno-científicas, colaborando com o fluxo da narrativa, visto que outro ponto fraco deste gênero é o uso excessivo de informações desconhecidas pelo público em geral, ligadas aos campos biológicos e etc, dificultando a mensagem aos espectadores ansiosos do entretenimento de massa.

Mas onde está o protagonista no filme? A gente não vê. Ele está lá, com sua voz marcante, mas seu rosto fica na imaginação de cada um. O que fica claro são os sentimentos do personagem: a solidão e a mágoa se confundem com a paisagem árida pela qual ele passa.

Viajo Porque Preciso, Volto Porque Te Amo se estrutura como diário, ou impressões, de viagem. Sob a onipresente voz off de Irandhir Santos – que comenta as imagens, rememora o passado e fala diretamente com sua amada, Joana – Karim Aïnouz e Marcelo Gomes se utilizam de diversos suportes de captação para registrar as cenas através do ponto de vista do geólogo: 16mm, 35mm, Super-8, câmera digital, máquina fotográfica.

As múltiplas imagens (que os diretores coletaram entre 1999 e 2009) são fragmentadas, efêmeras e instáveis, tais quais os sentimentos conflituosos do personagem em relação à esposa – que ao mesmo tempo ama e odeia, que ora deseja retornar para casa, ora prefere que a pesquisa de campo nunca termine.

Viajo porque preciso, Volto porque te amo é uma viagem original e inesquecível, uma busca de um homem em torno de si mesmo e da saudade que o corrói, mas também o movimenta.

1- Como surgiu o convite para fazer Chico Xavier no cinema?